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Comune di Prato Provincia di Prato Regione Toscana Ministero della Cultura FESTIVAL 16/25 SETTEMBRE 2022 XX EDIZIONE PRATO TEATRO METASTASIO DI PRATO
CONTEMPORANEA FESTIVAL è un progetto culturale che ha attraversato, nei molti anni di attività, diversi indirizzi progettuali; ogni edizione si articola seguendo linee di pensiero e traiettorie autonome, tracciando percorsi aperti ai numerosi ambiti di ricerca delle arti della scena. Una proposta culturale intesa come momento di costruzione, di sviluppo creativo, di incontro collegato ai circuiti internazionali, un festival radicato nel presente con lo sguardo rivolto verso il futuro. CONTEMPORANEA FESTIVAL 22 si colloca oggi in un tempo che appare drammaticamente diviso tra un nuovo ordine digitale che dematerializza il mondo, stabilendo una nuova condizione relazionale dove il corpo non si presenta più come soggetto ma come oggetto. Visione ulteriormente aggravata dalla pandemia che ha moltiplicato le distanze sociali, rinchiudendo gran parte delle interazioni umane dietro schermi e dispositivi elettronici. Dall'altra parte, il tentativo di preservare l'ordine terreno nel quale scorre la nostra esistenza, dove il contatto, il collegamento con il reale, appare sempre più evanescente. Il corpo non è più dimora del rapporto con la natura,ma strumento concettualizzato, quasi non necessario, svuotato del suo ruolo, senza gravità. Le diverse esperienze che caratterizzano questo discordante momento storico, innescano così una condizione contrastante di stress psicosociale; mente e corpo sono legati insieme, una connessione potente, indissolubile, l'esaurimento psicofisico continuo provoca in noi delle reazioni imprevedibili come risposta alle modificazioni esterne, percepite come una minaccia sociale, sia a livello mentale che fisico, con profonde ripercussioni all'esterno.Una condizione ben rappresentata dall'immagine di un corpo in caduta libera, in assenza di peso. In questo clima, sono molte le artiste e gli artisti che intrecciano nei loro processi creativi corpi e linguaggi, che esaminano nuovi e complessi rapporti con l'habitat e la natura, che ipotizzano inedite possibilità di convivenza tra organico e artificiale, concepiti sia come possibilità di reinvenzione del sé, sia come inquietanti premonizioni di un futuro sempre più disumanizzato. Numerose sono le compagnie che hanno scelto questa edizione per presentare le nuove produzioni concepite appositamente per Contemporanea, in dialogo e all'interno di luoghi storici del panorama culturale della città, oltre alle molte ospitalità di lavori che cercano di attivare sguardi che riportano al contatto con la superficie, ricercando la fisicità e ritrovando una densità. Spettatori e spettatrici in molti lavori sono chiamati ad essere parte attiva e dinamica, ad entrare in relazione, intima o plurale, con l'artista e lo spazio, ad essere azione. Il corpo torna ad essere il punto focale, tangibile, e il teatro occasione di riconnessione. 2 CONTEMPORANEA FESTIVAL_22 Edoardo Donatini direttore del Contemporanea Festival / Contemporanea Festival director
3 CONTEMPORANEA FESTIVAL is a cultural project that has gone through, in the many years of activity, different design directions; each edition is articulated following lines of thought and autonomous trajectories, tracing paths open to the numerous research fields of the arts of the scene. A cultural proposal intended as a moment of construction, of creative development, of meeting connected to international circuits, a festival rooted in the present with an eye to the future. CONTEMPORANEA FESTIVAL 22 stands today in a time that appears dramatically divided between a new digital order that dematerializes the world, establishing a new relational condition where the body no longer presents itself as a subject but as an object. Vision further aggravated by the pandemic that has multiplied social distances, locking up most of the human interactions behind screens and electronic devices.On the other hand, the attempt to preserve the earthly order in which our existence flows, where the contact, the connection with the real, appears more and more evanescent. The body is no longer the home of the relationship with nature, but a conceptualized tool, almost unnecessary, emptied of its role, without gravity. The different experiences that characterize this discordant historical moment, thus trigger a contrasting condition of psychosocial stress; mind and body are linked together, a powerful, indissoluble connection, continuous psychophysical exhaustion causes unpredictable reactions in us as a response to external changes, perceived as a social threat, both mentally and physically, with profound external repercussions. A condition well represented by the image of a body in free fall, in weightlessness. In this climate, many artists interweave bodies and languages in their creative processes, examine new and complex relationships with habitat and nature, hypothesize unprecedented possibilities of coexistence between organic and artificial, conceived both as a possibility of reinvention of the self, and as disturbing premonitions of an increasingly dehumanized future. There are numerous companies that have chosen this edition to present the new performances conceived specifically for Contemporanea, in dialogue and within historical places of the cultural panorama of the city, in addition to the many hosted works that try to activate looks that bring back contact with the surface, seeking physicality and rediscovering a density. Spectators are called to be an active and dynamic part in many works, to enter into an intimate or plural relationship with the artist and the space, to be action. The body is once again the focal point, tangible, and the theater is an occasion for reconnection.
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6 SCENA CONTEMPORANEA C o DANIELE BARTOLINI - GISÈLE VIENNE FRANCESCA GRILLI - CHIARA AMEGLIO DORIS UHLICH - STEFANIA TANSINI ANNA MASSONI - SARA SGUOTTI IVO DIMCHEV - YASMINE HUGONNET CAROLINE BAGLIONI/MICHELANGELO BELLANI TEATRO ELETTRODOMESTICO FERNANDO RUBIO - OPERA BIANCO RITA FRONGIA - EL CONDE DE TORREFIEL NICOLA GALLI - METTE INGVARTSEN
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8 ©Zahra Saleki C16/1809+22/2409 dalle h 18 alle h 22 12 turni con partenza ogni 20 minuti viaggio interattivo tra MANIFATTURE DIGITALI CINEMA e PALAZZO PRETORIO
9 biglietto € 7,00 (rid. € 5,00) - durata 60’ - prenotazione obbligatoria / ticket / time / booking is mandatory esperienza costruita per la partecipazione di un singolo spettatore alla volta / experience for only one spectator at a time l'esperienza contiene parti in latino, inuktitut, hakka, patwa, spagnolo, italiano, inglese / the experience contains parts in Latin, Inuktitut, Hakka, Patwa, Spanish, Italian and English A.A. proviene da due diverse etnie minoritarie. Ha dovuto cancellare parti di sé per essere accettata dalla cultura dominante? Joyce è un'infermiera, modella e scrittrice originaria della Giamaica che ha percorso duri processi di migrazione. Adesso trova spazio per esistere. Katajjaq è un rituale dell'Artico canadese cantato da due donne Inui t. Sopravvissuta a secol i di colonizzazione, Katajjaq "fluisce dalla bocca degli antichi". Proseguendo un percorso iniziato a La Biennale di Venezia dall'artista italo-canadese Daniele Bartolini, Stil Novo è un'esperienza interattiva costruita per la fruizione di un solo partecipante che indaga sul momento di radicale trasformazione del mondo occidentale. Il momento è adesso. Un momento in cui l'arte non è più ispirazione, finzione o architettura concettuale, ma autobiografia. Precipitiamo nella vertigine che precede la saggezza: amore. Siamo pronti? A.A. comes from two different minority ethnic groups. Did she have to erase parts of herself to be accepted by the dominant culture? Joyce is a retired nurse, model and writer originally from Jamaica who went through challenging migration processes. Now she finds space to exist. Katajjaq is a Canadian Arctic practice sung by two Inuit women. Sustained throughout centur ies of colonization, Katajjaq "came from the mouth of the ancients." Continuing an artistic path of research started at La Biennale di Venezia by the Italian-Canadian artist Daniele Bartolini, Stil Novo is an interactive experience built for a single participant who investigates our moment of radical transformation. The time is now. A moment in which art is no longer inspiration, fiction or conceptual architecture, but autobiography. Fall into the vertigo that precedes wisdom: love. Are we ready? SCENA CONTEMPORANEA STIL NOVO cancellare, correggere, riemergere / erase, correct, reemerge DANIELE BARTOLINI C C C un'esperienza scritta e diretta da Daniele Bartolini / an experience written and directed by dramaturg Stefania Vitulli sound design e co-creazione Matteo Ciardi / sound designer and co-creator co-creata e agita da Charlotte Qamaniq e Cynthia Pitsiulak della Band Silla, / co-created and performed by /and / of the band Ada Aguilar, Joyce Powell, Maddalena Vallecchi Williams e Daniele Bartolini /and produttore esecutivo Marta Zannoner, assistente di produzione Marta Falugiani / executive producer / production assistant una coproduzione di DLT e Teatro Metastasio di Prato / co-production /and
10 C16/1709 h 20.00 TEATRO FABBRICONE ©Estelle Hanania
SCENA CONTEMPORANEA Adattamento di un'opera giovanile dello scrittore svizzero Robert Walser, L'Etang della regista e coreografa francese Gisèle Vienne, racconta il dramma familiare di un ragazzo che, non sentendosi amato, finge di suicidarsi per mettere alla prova l'amore materno. Un'opera contemporanea a più voci con la sola presenza in scena di Adèle Haenel e Henrietta Wallberg che interpretano rispettivamente uno e due ruoli: Haenel, che ha raggiunto la fama come attrice cinematografica nel film Ritratto della giovane in fiamme di Cél ine Sciamma, incarna Fritz, i l personaggio centrale che finge il suicidio, i suoi fratelli e i suoi giovani amici, mentre Fernandez rappresenta gli altri personaggi della storia. Nel paesaggio sonoro di L'Etang ogni sospiro è amplificato da un'inquietante colonna sonora elettronica che suscita diversi livelli di percezione della realtà e dell'interiorità sollevando domande sul teatro e sulle convenzioni familiari. Adaptation of an early work by the Swiss writer Robert Walser, L'Etang (The Pond, der Teich) reveals an intricate tale of filial love through the actresses, Adèle Haenel and HenriettaWallberg. L'Etang is the story of a boy who feels unloved by his mother and, at the lowest point of his despair, pretends to commit suicide in order to see her love for him one last time. Several levels of perception of reality and temporality, interiority and exteriority coexist. In examining the conventions of the theater and the family, L'Etang notably raises the question of the shared representation of reality, the social norm, and what we see, while shaking up its essential aspects. L'ETANG basato sulla storia originale Der Teich (The Pond) di Robert Walser / based on the original story / by ideazione, direzione, scenografia, drammaturgia Gisèle Vienne / conception, direction, scenography, dramaturgy eseguito da Adèle Haenel & Henrietta Wallberg / performed by luci Yves Godin / lights design del suono Adrien Michel / sound design musica originale Stephen F. O'Malley & François J. Bonnet / original music biglietto / € 15,00 (rid. € 10,00) - durata / 85’ ticket time spettacolo in francese con sopratitoli in italiano / performance in French with Italian surtitles / recommended from 15 years old consigliato dai 15 anni in su 11 GISÈLE VIENNE C C C C MET^DANZA
12 ®Jonas Verbeke C17/1809 h 16.00+17.00 TEATRO MAGNOLFI
13 creazione Francesca Grilli / creation parole e workshop Azzurra D'Agostino / text and workshop suono Roberto Rettura / sound movimento Benno Steinegger / movement design e realizzazione copricapi Paola Villani / design and clothes realization consiglio alla creazione Chiara Guidi / creation council consiglio chiromanzia Guido Rossetti / chiromancy council produzione Chiara Massari / production comunicazione Elena Regazzoni e Studio Francesca Grilli / comunication / and amministrazione Chiara Fava e Corpoceleste / administration / and Sparks di Francesca Grilli è un progetto partecipativo basato su un atto semplice: i bambini leggono il futuro sul palmo delle mani degli adulti, come gesto di speranza e rottura con il passato. Come piccoli oracoli i bambini diventeranno così artefici di visioni e prospet t i ve. De l i cata e mi s ter i osa, ques ta performance è basata su tre elementi: le mani, che sono la parte del corpo più esposta al mondo; la lettura delle mani, usata come un gioco per esprimere immag i naz i one e des i der i ; i cappe l l i , che rappresentano l'eco giocoso degli elmetti i quali, una volta indossati, proteggono i bambini dallo sguardo degli adulti. In Sparks il rapporto tra gli adulti e i bambini viene rovesciato, e questa volta sono questi ultimi a parlarci del nostro futuro: li ascolteremo? Francesca Grilli's Sparks is a participatory project based on a simple act: children read adults their future in the palm of their hands, as a hopeful gesture and as a break with the past. Children become future tellers and bearers of magical powers for a while. Delicate and mysterious, this performance is based on three elements: the hands, which are the part of the body most exposed to the world; the reading of hands, used as a game to express imagination and desires; the hats, which represent the playful echo of the helmets which, once worn, protect children from the direct gaze of adults. In Sparks the relationship between adults and children is thus overturned, as it is this latter who speak to us about our future: will we listen to them? SCENA CONTEMPORANEA SPARKS workshop / performance FRANCESCA GRILLI C C ingresso libero prenotazione obbligatoria / free entrance - / booking is mandatory durata 30' / time consigliato dai 18 anni in su / recommended from 18 years old C C
14 ®Fabio Mattiolo C 1709 h 22.00 CENTRO PECCI
15 di e con Chiara Ameglio / by and with in collaborazione con Santi Crispo / in collaboration with musiche Keeping Faka / music produzione Fattoria Vittadini | Festival Danza In Rete / production Lingua è una performance che genera una relazione con lo spettatore attraverso un corpo che diventa territorio da esplorare con lo sguardo. Un rituale linguistico di trasmissione che invita a trascrivere sul corpo della performer le proprie tracce, producendo una lingua pulsante, eco di somiglianze originarie in cui riconoscersi. Il segno, l'immobilità, il respiro si fanno grammatica comunicativa, elementi di un incontro collettivo. Lingua nasce dalla tensione verso un campo di interesse: intimità, empatia, linguaggio. Il senso del limite, oggi così acuto, è anche quello di ricordarci che possiamo desiderare di annullarlo, che i nostri corpi sono vicini se desiderano toccarsi. The performance Lingua generates a relationship with the audience through a body becoming a territory to be explored by gaze. A linguistic ritual of transmission invites you to transcribe your own traces on the performer's body, producing a pulsating language, echo of original similarities to recognize oneself in which. The sign, the stillness, the breath become communicative grammar, elements of a collective encounter. Lingua arises from the tension towards a field of interest: intimacy, empathy, language. The sense of limit, so acute today, is also to remind ourselves that we may wish to cancel it, that our bodies are close if they wish to touch each other. ingresso unico Lingua + Seismic Dancer (h 22.45) € 10,00 / one entrance for durata 35' / time spettacolo non parlato / no language in this performance SCENA CONTEMPORANEA LINGUA CHIARA AMEGLIO C C C C MET^DANZA
16 ©Emma Szabo C1709 h 22.45 CENTRO PECCI
17 coreografia e performance Doris Uhlich / choreography and performance dj Boris Kopeinig luci Gerald Pappenberger / lights produzione insert Tanz und Performance GmbH (Vienna - AT) / production distribuzione Something Great (Berlin - DE) / distribution insert Tanz und Performance GmbH è fondato da stato ll'Assessorato alla Cultura della Città di Vienna/ is funded by the Cultural Department of the City of Vienna Doris Uhlich unisce i suoi interessi artistici con la ricerca degli ultimi anni creando un ritratto d'artista attraverso il quale il pubblico può immergersi nella sua filosofia del corpo/carne e dell'energia. In Seismic Dancer l'artista inonda lo spazio di energia e in collaborazione con il DJ Boris Kopeinig, indaga la cultura techno come atto di danza che si diffonde energicamente e che intende il suono e il movimento come un flusso o una corrente. "Per me la danza è l'archeologia e la trasmissione dell'energia, la trasformazione degli stati energetici nei corpi e nello spazio. Sento che il presente è inscritto nella paura e nella chiusura dei sistemi. Il pragmatismo e l'efficienza si sono infiltrati nella nostra carne e nel nostro sangue. Cerco l'energia dell'apertura, la motivazione a non implodere, a non collassare". (Doris Uhlich) In this project, Doris Uhlich combines her artistic interests and research of her last years. It is like a portrait of the artist where the audience can dive into her philosophy of flesh and energy. In collaboration with the DJ Boris Kopeinig, she explores the limits of energy output, and what strength one must spend to open oneself up, change something, restructure something, and get something cracking. No standby, push the play button! In Seismic Dancer the aim is to develop an energy to create ways of seeing the dense complex present as a moving body, to experience the body as the epicentre for action and change. The intention of flooding space with energy leads her to investigate techno culture – techno as an act of dance that spreads out energetically and that understands sound and movement as a flow or current. MET^DANZA SCENA CONTEMPORANEA C SEISMIC DANCER DORIS UHLICH C ingresso unico Seismic Dancer + Lingua (h 22.00) € 10,00 / one entrance for durata 45' / time lo spettacolo contiene scene di nudo integrale / presence of full nude scenes C C
18 C1809 h 18.30 CENTRO PECCI
19 “L'unico rimedio alla follia, è l'innocenza dei fatti”. L'ombelico dei limbi, Antonin Artaud L'ombelico dei limbi è un percorso che origina da una riflessione sulla follia, qui intesa come ambigua e non univoca relazione tra le cose. Un'azione per spazi non teatrali, nella quale la materia corporea si immerge in un ambiente reale già esistente, lo vive e lo contamina. Un processo d'azione che segue un flusso percettivo di accadimenti, che rifiuta a farsi riconoscere in una convenzionalità di composizione. "The only remedy for madness is the innocence of facts". The navel of limbs, Antonin Artaud L'ombelico dei limbi (The navel of limbs) is a journey that originates from a reflection on madness, here understood as ambiguous and non-unique relationship between things. An action for non-theatre spaces, in which the body immerses itself in an existing real environment, lives it and contaminates it. A process of action that follows a perceptive flow of events, which refuses to be recognised in a conventionality of composition. SCENA CONTEMPORANEA L'OMBELICO DEI LIMBI_primo studio Nuovo percorso coreografico STEFANIA TANSINI C C ingresso unico L'OMBELICO DEI LIMBI + RIDEAU (h 19.00) + SOME OTHER PLACE (h 19.45) € 12,00 / one entrance for durata 15' / time C C MET^DANZA
20 ®Angela Massoni C1809 h 19.00 CENTRO PECCI
21 coreografia e danza Anna Massoni / choreography and dance coreografia e drammaturgia Vincent Weber / choreography and dramaturgy luci Angela Massoni / light design regia luce Fanny Lacour / light direction regia suoni Vincent Weber / sounds direction aiuto composizione sonora Renaud Golo / assistant sound composition occhio esterno Simone Truong, Maud Blandel / outside eye amministrazione della produzione Marc Peŕennes̀ / production administration produzione Association 33ème parallèle / production co-produzione CN D Centre National de la Danse, La Manufacture-CDCN Nouvelle Aquitaine Bordeaux - La Rochelle, La / co-production Place de la Danse-CDCN Toulouse Occitanie, ET́APE DANSE (Fabrik Potsdam, Institut Français Deutschland/Bureau du Theấtre et de la Danse, La Maison CDCN Uzes̀ Gard Occitanie, Theấtre de Nîmes, Mosaico Danza - Interplay Festival Turin), Les Hivernales-CDCN Avignon, Le Dancing-CDCN Bourgogne Franche Comté con il sostegno di Minister̀e de la Culture - DRAC Bourgogne - Franche-Comte ́pour l'aide a ̀la creátion / with the support of choreǵraphique, CNDC d'Angers Laddove il gesto dell'assolo tende ad affermare una sol i tudine, qui , s i t rat terebbe piut tos to di problemat izzar la: come creare f inzioni che permettono di spostare il centro dell'azione? L'Assolo Rideau di Anna Massoni offre una serie di frammenti, una combinazione di linee e motivi che tracciano e tessono un disegno complessivo, dispiegando una rete aperta di contiguità e dissociazioni tra il corpo, lo spazio del palcoscenico, le luci e la musica. Where the gesture of the solo tends to affirm a solitude, it would rather be a question here of problematizing it: how to create fictions that allows to decenter the action? Rideau offers a series of fragments, a combination of lines and patterns that trace and weave an overall design, deploying an open network of contiguities and dissociations between the body, the space of the stage, the lights and the music. SCENA CONTEMPORANEA RIDEAU ANNA MASSONI C C ingresso unico RIDEAU + L'OMBELICO DEI LIMBI (h 18.30) + SOME OTHER PLACE (h 19.45) € 12,00 / one entrance for durata 60' / time C C MET^DANZA
22 ©Enzo Rapezzi Photographer C1809 h 20.15 CENTRO PECCI
23 concept e coreografia Sara Sguotti / concept & choreography musiche live Spartaco Cortesi con Sara Sguotti e Spartaco Cortesi / live music / with / and consulenza e assistenza artistica e drammaturgica Elena Giannotti / artistic and dramaturgical consulting disegno luci Mattia Bagnoli / light design voce Julie Bergez / voice produzione Perypezye Urbane / production organizzazione Serena Roberti coproduzione Interplay Festival / coproduction con il supporto di Armunia/Festival InEquilibrio, Atelier delle Arti, Cango / with the support of Some other place cerca di individuare le forme della relazione tra performer, spazio e immaginazione per provare a condurre lo spettatore dentro un viaggio in un altrove percettivo e immaginativo. Il corpo danzante di Sara Sguotti abita uno spazio vuoto e intimo, in continuo adattamento, attraverso un movimento labirintico e potente verso un altro luogo che riverbera nella musica dal vivo di Spartaco Cortesi. La coreografia, leggera e disorientante, vitale e carnale, è quella di un corpo che si sorprende del movimento ed è sorpreso da esso, portando i passegger i/spettator i in uno spazio visionar io e coinvolgendoli in un processo empatico attraverso una narrazione privata e femminile. This choreography tries to identify the forms of the relationship between performer, space and imagination. The dancing body is positioned in an empty, passable space, intimate, in continuous adaptation along a labyrinthine and powerful movement. The dancer's gaze opens to some other place and reverberates in l ive music. The choreographic device leads to a body that is surprised by the movement, distant but present in an inconsistent but visionary space. The performer offers a look that seeks a hyper reality, involving the audience in an empathic process between reminiscence and prediction. In the choreographic writing, lightness, disorientation, vitality, carnality emerge, a fragile and athletic body that search for escaping one's spirit, through a private, feminine language and narration. SCENA CONTEMPORANEA SOME OTHER PLACE SARA SGUOTTI C C ingresso unico SOME OTHER PLACE + L'OMBELICO DEI LIMBI (h 18.30) + RIDEAU (h 19.00) € 12,00 / one entrance for durata 40' / time consigliato dai 12 anni in su / recommended from 12 years old spettacolo non parlato / there's no language used in the performance C MET^DANZA
24 ®Emilia Milewska C1809 h 21.30 spazioK
25 idea, testo, musica di Ivo Dimchev / idea, text and music by realizzato da Ivo Dimchev e il pubblico / performed by / and the audience produzione Humarts Foundation (Sofia - BG) / production coproduzione ImPulsTanz (Vienna - AT), mumok (Vienna - AT) / co-production organizzazione e distribuzione Something Great (Berlin - DE) / management and distribution "Il selfie è una coreografia, il selfie è una scultura, il selfie è una tragedia, il selfie è amore. Selfie non riguarda solo me,ma soprattutto noi". (Ivo Dimchev) Selfie Concert è tra le opere più recenti di Ivo Dimchev e fa parte di una serie di performance in cui Dimchev indaga i diversi modi di interagire con il pubblico. In P Project (2012) Dimchev ha pagato il pubblico per esibirsi con lui sul palco, mentre in Facebook Theatre (2016) la performance si basava su testi scritti dagli spettatori in tempo reale sui social media, che l'artista considera una fonte inesauribile di contenuti e interazione. In Selfie Concert suggerisce un'alterazione del rapporto tra il pubblico e l'esecutore, un modo diverso di condivisione. Il selfie mostra semplicemente. Non spiega, è una prova. Tuttavia, il selfie è anche un motivo per stare insieme, per stare vicini fisicamente. Il selfie diventa così uno strumento per rendere più viva la drammaturgia frontale e bidimensionale del concerto e per spezzarla. "Selfie is a choreography, selfie is a sculpture, selfie is a tragedy, selfie is love. Selfie is less about me, it's more about us". (Ivo Dimchev) Selfie Concert is one of the most recent work of Ivo Dimchev and is part of a series of performances in which Dimchev investigates different ways of interacting with the audience. In P Project (2012) Dimchev paid the audience to perform with him on stage, while in Facebook Theatre (2016) the performance was based on texts written by spectators on real time in social media, which the author considers an endless source of content and interaction. A Selfie Concert suggests an altering of the relationship between the audience and the performer, a different way of sharing. SCENA CONTEMPORANEA C SELFIE CONCERT IVO DIMCHEV C biglietto € 10,00 (rid. € 7,00) / ticket durata 50’ / time C C MET^DANZA
26 ®Fabrizio Corvi C2209 h 19.00 spazioK
27 ispirato ai Sei personaggi in cerca d'autore di Luigi Pirandello / inspired by the / by di Caroline Baglioni, Michelangelo Bellani / by con Caroline Baglioni, Stella Piccioni / with luce Gianni Staropoli / lights cura del movimento Lucia Guarino / movement care musiche originali Francesco Federici / original soundtrack collaborazione drammaturgica Alice Torriani / dramaturgical collaboration oggetti di scena Leonardo Baglioni / props regia Michelangelo Bellani / direction produzione Atto Due/Fontemaggiore / production con il contributo del Teatro Stabile dell'Umbria / with the contribution of residenze artistiche Teatro Thesorieri/Strabismi Festival, Spazio Zut!/C.U.R.A / artistical residences anteprima SCENA CONTEMPORANEA CONFESSIONI DI SEI PERSONAGGI CAROLINE BAGLIONI/MICHELANGELO BELLANI C C biglietto € 10,00 (ridotto € 7,00) / ticket durata 80’ / time C C A cento anni dal debutto dei Sei personaggi in cerca d'autore ci siamo ritrovati in mezzo a una pandemia mondiale, privati del teatro, sentendoci esattamente come quei Sei che smaniano per andare in scena. In questa anteprima nazionale due attrici interpretano i sei personaggi che, come una bibita gassata, premono per esplodere, uscire fuori, raccontarsi. Sono personaggi che vogliono cessare di esserlo e l'unico modo è quello di godere di vita propria. Riusciranno a smascherarsi, trovare il fondo della propria autenticità, al di fuori della storia scritta per loro? In scena qualcuno ha lasciato una telecamera in dotazione, uno strumento che i Sei pirandelliani accendono, usano e abbandonano. Ognuno ha il suo punto di vista e vuole convincere della sua verità. Ma qual è il 'luogo' della realtà? Two actresses on stage, for six characters. The six Pirandellian characters, who just like a can of soda are about to pop open, burst out, share their stories. They confess details, they outline situations. They are characters willing to stop being such. The only way is to unveil original stories - unimagined by the author - enjoy a life of their own, run free from the tale meant for them in which they have been stuck for too long. But can they do it for real? Will they be able to find the core of the truth, of their own authenticity, beyond the story that contains them? There's a camera on stage, maybe a tool left at their disposal, that the characters occasionally switch on, use, leave behind. Each one has a different point of view and tries to convince everyone else of their own truth. Are we inside a dream, a nightmare, a theatre? Inside a memory? What is the 'place' of reality?
®Anne-Laure Lechat C2209 h 21.00 TEATRO FABBRICONE 28
29 concept e coreografia Yasmine Hugonnet / concept & choreography performers Matthieu Barbin, Stéphanie Bayle, Marta Bellu, Clara Delorme, Maïté Minh Tâm Jeannolin, Romane Peytavin, Ilaria Quaglia collaborazione artistica Michael Nick, scenografia Nadia Lauro / artistic collaboration / scenography conception disegno luci Dominique Dardant, direzione tecnica Jérôme Vernez, suono Frédéric Morier / light design / technical direction / sound costumi Nadia Lauro, Yasmine Hugonnet, Michaël Nick, assistente di produzione Isabelle Vesseron / costumes / production assistant amministrazione Violaine DuPasquier, tour e produzione Jérôme Pique / administration / touring & production produzione Arts Mouvementés / production coproduzione Théâtre Vidy-Lausanne (CH), Atelier de Paris - CDCN-Paris (FR), Festival d'Automne à Paris (FR), Les 2 scènes-Scène nationale / coproduction de Besançon (FR), Centre Culturel Suisse de Paris, ICI - Centre Choreǵraphique National de Montpellier - Occitanie - Direzione Christian Rizzo (FR), / direction La place de la danse - CDCN Toulouse Occitanie (FR), Tanzhaus, Zurich (CH), Dampfzentrale, Berne (CH) supporto Canton de Vaud, Ville de Lausanne, Loterie romande, Pro Helvetia, Ernst Göhner Stiftung, SSA Fonds culturel, Corodis, SIS Fondation / support suisse des interprètes La compagnia Arts Mouvementeś beneficia di un accordo congiunto con Canton de Vaud e la / the company / benefits from a joint agreement with / and Ville de Lausanne. Spettacolo sostenuto da LaB E23, programme Interreg France-Suisse 2014-2020 con il sostegno finanziario di / Show supported by / with financial support from the FEDER luoghi Théâtre Vidy-Lausanne (CH), Tanzhaus - Zurich (CH), CND Pantin (FR), ICI - Centre Choreǵraphique National Montpellier - Occitanie / residencies Direzione Christian Rizzo (FR), Atelier de Paris CDCN (FR), Dampfzentrale, Berne (CH), Les 2 Scènes - Besançon (FR), La Ménagerie de Verre - / direction Paris (FR), La place de la danse - CDCN Toulouse Occitanie (FR) “Seven Winters è la nuova creazione di Yasmine Hugonnet, un'artista che ha sublimato il minimo gesto in un enigma.” Così inizia l'articolo di Le Temps che racconta quest'ultimo lavoro in cui sul palco sono riuniti sette interpreti per danzare, attraverso il tempo, lo spazio e il gesto, i temi del cambiamento e della relazione. Seven Winters si basa sul concetto di reciprocità, che si sviluppa su tre assi: la costruzione di connessioni tra sette corpi, la creazione di un affresco umano, o murales vivente, che gioca con la questione della molteplicità, e infine la presenza della marionetta come doppio della danzatrice. Seven Winters is the possible materialization of an invisible space, that would be woven into the hollowness of the bodies. Seven refers to seven bodies on stage, an odd number which will allow asymmetry and will show the quasi-architectural construction of different kinds of connections. How can a set of bodies create a balance of reciprocal relationships? Are there equivalents to being two, four, six, seven? Support or abandonment? Similarity or multiplicity? Contrasts emerge from the oscillation between the inside and the outside, and the very definitions of appearances are disturbed. Seven Winters is based on the concept of reciprocity, which is developed along three axes: the construction of connections between seven bodies, the creation of a human fresco, or living mural, that plays with the question of multiplicity and finally the presence of the puppet as a double for the dancer. SCENA CONTEMPORANEA SEVEN WINTERS YASMINE HUGONNET C C biglietto € 15,00 (ridotto € 10,00) - durata 70’ / ticket / time lo spettacolo contiene scene di nudo integrale / presence of full nude scenes spettacolo non parlato / no language in the performance C C MET^DANZA
30 C22/2409 vari orari TEATRO FABBRICHINO
31 uno spettacolo di Teatro Elettrodomestico / a performance of liberamente ispirato a Ratto - storie di ratti di Andrea Bendini / freely inspired by / by testo di Giulia Zacchini / text by con Andrea Macaluso, Giusi Merli e Eleonora Spezi / with / and scena e figure Eleonora Spezi / set and figure musiche di Marco Baraldi / music produzione Teatro Metastasio di Prato/Contemporanea Festival / production con il sostegno di Toscana Terra Accogliente e R.A.T. – Residenze Artistiche Toscane / with the support of / and Rattenspiel è una recita di ratti, ambientata in un mondo punk, post-apocalittico in cui gli uomini e i loro traballanti ideali sono solo un vago ricordo, anzi, il sogno destabilizzante di un sorcio. Liberamente ispirato a RATTO-storie di ratti, ultima opera di Andrea Bendini, lo spettacolo tenta di rendere omaggio ad un autore sconosc iuto ai più, drammaturgo incompreso, intellettuale fuori dagli schemi e crudele burattinaio. In quest'ora si celebra la vittoria dei ratti sull'essere umano, in un'atmosfera scura e demenziale al tempo stesso. È un cabaret grottesco. I topi finalmente bal lano sul le macerie, per intonare un inno all'inevitabile fallimento dell'uomo. Rattenspiel is a rats' performance. We are in a postapocalyptical, punk world where mankind and their tottering ideals are only a faint memory or rather an unstabilizing dream of a mouse. The show is freely inspired by RATTO-a history of rats, the last of Andrea Bendini's works. It tries to pay homage to an almost unkown writer, a misunderstood playwright and a cruel puppeteer. Here we celebrate the victory of rats over human beings in a dark and insane atmosphere. It's a grotesque cabaret of mice dancing on the ruins and singing an enlogy to the inevitable failure of human beings. biglietto € 10,00 (ridotto € 7,00) / ticket durata 60’ / time C C SCENA CONTEMPORANEA RATTENSPIEL storie di ratti TEATRO ELETTRODOMESTICO C C DATE E ORARI REPLICHE 22 settembre h 22.30, 23 settembre h 19.30, 24 settembre h 17.00
32 ®Laura Limp C23/2509 vari orari PIAZZA DELLE CARCERI
33 un progetto di Fernando Rubio / a project by assistente alla regia, producer Cecilia Kuska / assistant director, producer traduzione testo Montserrat Munoz Garcia / text translation con / with / and Filippo Baglioni, Maria Caterina Frani, Claudia Gambino, Ciro Masella e Chiara Stampone produzione Teatro Metastasio di Prato / production in collaborazione con Centro Antiviolenza La Nara / in collaboration with con il supporto di CGIL, Arci, Centro salute donna, Biblioteca Lazzerini / with the support of Io non muoio più è un progetto artistico e interattivo sulla violenza di genere che è sia un'installazione/ performance che un intervento politico e collettivo nella città. La riflessione attorno al tema delicato e urgente della violenza di genere si serve e si nutre della partecipazione diretta della cittadinanza, che da maggio è stata chiamata a lasciare la propria testimonianza anonima su episodi di violenza in 12 “Cassette postali” distribuite in associazioni e enti sensibili al tema. Queste lettere faranno parte della performance pubblica che si svolgerà all' interno di una s t r u t t u r a cub i ca t r aspa r en t e : i n una vetrina/abitazione installata in un luogo altamente frequentato del centro storico, un gruppo di attrici e attori locali vestirà i panni di vittima e carnefice, rendendo manifesto e quindi criticabile, passibile di denuncia ciò che ancora oggi troppo spesso rimane invece nascosto, taciuto, segregato dentro le quattro mura di casa. Io non muoio più è un appello a stare allerta, all'urgenza, a vedere ciò che non si e ̀abituati a vedere. Io non muoio più is an artistic and interactive project on gender violence that is both an installation/performance and a political and collective intervention in the city. The reflection around the sensitive and urgent question of gender violence uses and feeds on the direct participation of the citizens, who since May have been asked to leave their anonymous testimony about episodes of violence in twelve "Mailboxes" distributed in associations and institutions sensitive to the theme. These letters will be part of the public performance that will take place i ns i de a t ransparent cub i c s t ruc ture: i n a showcase/home installed in a highly trafficked place in the old city center, a group of local actresses and actors will play the role of victim and perpetrator, making manifest and therefore objectionable, liable to denunciation what still too often remains hidden, silent, segregated within the four walls of the home. Io non muoio più is a call to be alert, to urgency, to see what one is not used to seeing. SCENA CONTEMPORANEA IO NON MUOIO PIÙ FERNANDO RUBIO C C ingresso libero / free entrance durata 60’ / time C C DATE E ORARI REPLICHE 23 + 24 settembre h 18.00, 25 settembre h 17.00 con il patrocinio di
34 ®Marco Boschetti C2309 h 21.00 TEATRO FABBRICONE
35 JUMP! affronta il problema del ritmo dell'uomo in dialogo con il ritmo del mondo. La danza è la risposta a una domanda implicita nell'ambiente che ci circonda: come continuare a camminare nonostante tutto stia crollando? Buster Keaton modifica continuamente il suo corpo e le leggi fisiche che lo riguardano in funzione di una marcia ostinata. Egli sfrutta i disastri per nutrire il ritmo delle sue gag. Pura danza in armonia con il movimento del mondo. Caduta, salto, sospensione. La caduta se vista sottosopra diventa un salto, un tentativo di volo. JUMP! tackles the problem of human's rhythm in dialogue with the rhythm of the world. Dance is the answer to an implicit question our surrounding environment: how to keep walking despite everything around seems being collapsing? Buster Keaton continually transforms his body and the physical laws that concern him by his stubborn stride. He finds the rhythm of his gags in exploiting what should be easily defined a disaster. His dance is pure, in harmony with the movement of society. A continuous counterpoint between concrete actions and abstract movements. Fall, jump, suspension. The fall if seen upside down becoming a jump, an attempt to fly. MET^DANZA SCENA CONTEMPORANEA C JUMP! OPERA BIANCO C biglietto € 10,00 (rid. € 7,00) / ticket durata 55’ / time C C concept, coreografia e regia Marta Bichisao e Vincenzo Schino / concept, coreography and directon / and performer Samuel Nicola Fuscà, C.L. Grugher, Luca Piomponi, Simone Scibilia suono Dario Salvagnini / sound produzione PinDoc / OPERA BIANCO / production coproduzione Fondazione Royaumont (Parigi) / coproduction progetto promosso da Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale - Direzione Generale per la / project promoted by Promozione del Sistema Paese, in collaborazione con Direzione Generale Spettacolo del Ministero per i beni e le / in collaboration with attività culturali e per il turismo, nell'ambito del progetto Vivere all'italiana sul palcoscenico / within the project
36 ®Rita Frongia C23/2509 vari orari TEATRO MAGNOLFI
37 di Rita Frongia / by con Angela Antonini / with luci Antonella Colella / light organizzazione Adriana Vignali e Frida De Vreese Compagnia47 (ex Esecutivi per lo Spettacolo) / management /and con la collaborazione di Teatro Metastasio di Prato / Contemporanea Festival / in collaboration with col contributo di Regione Toscana / with the support of grazie a Teatro Drama / thanks to LILITH L I ilith. 'm Lilith. Lilith in my own language means night and storm. In truth, I'am a lying devil. Trust me, much about what I say and do is bad. Honestly, I have a suspicion that I'm bad, a very very bad girl. LILITH RITA FRONGIA C C Cbiglietto € 10,00 (rid. € 7,00) / ticket durata 30' / time LILITH Lilith. Il mio nome è Lilith. Lilith nella mia lingua vuol dire notte e tempesta. In verità, sono una diavola che mente sempre. Tanto di quel che dico e faccio è male. Ho un sospetto: sono cattiva, anzi, cattivona. SCENA CONTEMPORANEA C DATE E ORARI REPLICHE 23 settembre h 22.30, 24 settembre h 19.00, 25 settembre h 18.30
®Els De Nil 38 C2409 h 20.30 TEATRO METASTASIO
39 concepito e ideato da El Conde de Torrefiel in collaborazione con i performers / conceived and devised by / in collaboration with the performers direzione Tanya Beyeler e Pablo Gisbert / direction / and testo Pablo Gisbert / text cast Gloria March Chulvi, Albert Peŕez Hidalgo, Lara Brown, Nicolas Carbajal, Amaranta Velarde, David Mallols, e con la partecipazione a Prato di Lorenzo Bonifazii, Elisa Ciriello, Valentina Consoli, Maria Lopez Gomez, / and with the participation in Prato of Lorenza Guerrini, Gaetano Palermo, Mara Roberto manager tecnico Isaac Torres, disegno luci Ana Rovira / technical manager / light design direttore di scena Roberto Baldinelli / stage manager produzione Kunstenfestivaldesarts (Brussels), El Conde de Torrefiel / production coproduzione Alkantara & Maria Matos Teatro (Lisbon), Festival d'Automne & Centre Pompidou (Paris), Festival GREC / co-production (Barcelona), Festival de Marseille, HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Mousonturm Frankfurt am Main, FOG Triennale Milano Performing Arts, Vooruit (Ghent), Wiener Festwochen (Vienna), Black Box Theater (Oslo), Zurcher Thetaerspektakel (Zurich) con il supporto di Zinnema (Brussels), Festival SALMON, Mercat de les Flors and El Graner - Centre de Creacio,́ / with the support of Barcelona, Fabra i Coats, centre de creacio ́Barcelona diffusione e gestione del tour Caravan Production / diffusion & tour management progetto sostenuto da una sovvenzione di Acción Cultural Española (AC/E) Acción Cultural / this project was supported by a grant from Española (AC/E) Il collettivo spagnolo El Conde de Torrefiel, rivelazione degli ultimi anni, con La Plaza immagina il proprio lavoro come una piazza cittadina: il palcoscenico diventa quindi un'agorà in cui convergono e si intrecciano le tensioni generate dalle forze che governano la vita. Uno spazio circolare occupato da volti e corpi indefiniti, un luogo in grado di immaginarsi e proiettarsi nel futuro. L'inaspettato, l'imprevedibile è al centro di questa nuova produzione e in una civiltà sempre più soggettiva ed emotiva terrorizzata dall'ignoto e dall'incomprensibile, la possibilità di immaginare un futuro sconosciuto diventa uno stato di privilegio e di perfezione: un luogo in cui i nemici sono stati sconfitti; un paradiso raggiungibile solo attraverso la morte. We envisage our piece as a town square. The theatre and the square share narrative mechanisms of the present as well as appealing to a collective memory of the past; actors and set are the monuments and persons who move through this square providing forms, stories and names. The stage becomes an agora that allows us to expand the concepts of space and time, extend beyond the physical limits of our surroundings and observe the tensions created by the forces governing the very idea of life. A circular space occupied by monuments and persons; a specific place that can be defined as having the capacity to imagine itself and project itself into the future. biglietto € 15,00 (rid. € 10,00) - durata 90’ / ticket / time spettacolo in inglese e in italiano / performance in English and in Italian consigliato dai 16 anni in su / recommended from 16 years old C C SCENA CONTEMPORANEA LA PLAZA EL CONDE DE TORREFIEL C C
®Giulia Di Vitantonio courtesy Marche Teatro-Inteatro Festival 40 C2409 h 22.30 spazioK
41 concept e coreografia, maschere e costumi Nicola Galli / concept and choreoraphy, masks and costumes danza Margherita Dotta, Nicola Galli, Leonardo Maietto, Silvia Remigio / dance musica Giacinto Scelsi, 3/4 had been eliminated / music oggetti scenici Giulio Mazzacurati, luci e audio Giovanni Garbo / props / lights and sound produzione TIR Danza, stereopsis / production co-produzione MARCHE TEATRO / Inteatro Festival, Oriente Occidente / production residenze artistiche DID Studio / Ariella Vidach, Centro di Residenza della Toscana (Armunia - CapoTrave / Kilowatt), / artistic residences Oriente Occidente Studio_Passo Nord con il supporto di Rete Almagià / with the support of Il mondo altrove è un rituale danzato liberamente ispirato ai rituali indigeni dell'America del Sud, ai simboli e alle tradizioni del teatro Nō giapponese che, sulla musica mistica di Giacinto Scelsi, celebra il moto di un mondo inesplorato. Dalla porta centrale - che domina lo spazio del rituale - avanzano quattro figure sciamaniche finemente adornate e velate da affascinanti maschere per condurre a una cerimonia magica e senza tempo. L'azione prende forma durante il crepuscolo per poi sciogliersi in un dialogo notturno, espressione di sostegno vicendevole, dono perpetuo, comunione universale e celeste. Di fronte a questo linguaggio fisico siamo invitati a decifrare i “geroglifici” di questa civiltà ignota, selvatica e capovolta; ospiti chiamati a un esercizio di superamento del confine di ciò che conosciamo. Accogliere un mondo nuovo significa entrare in contatto con la poesia di segni muti, sia che appartengano al mondo animale, al mondo vegetale o a una qualsiasi cultura alternativa, per ritrovare così la propria umanità nel riflesso dell'incontro. Il mondo altrove is a choreographic pièce in the shape of dance ritual, which celebrates the motion of an unexplored world and traces an ideal path between West andOrient. From the main door four shamanic figures finely adorned move forward to lead a magical and timeless ceremony. The movement of bodies and the features of their faces preserve and offer to our gaze the ritual of a possible different tradition, acted inside a sacred space which collects the result of a harmonious coexistence between natural habitat and human action. The action takes place at sunset and then it dissolves in a nocturnal gestural dialogue, as expression of mutual support, perpetual gift, universal and celestial communion. biglietto € 10,00 (rid. € 7,00) / ticket durata 50' / time C C SCENA CONTEMPORANEA IL MONDO ALTROVE NICOLA GALLI C C MET^DANZA
42 ®Marc Domage C2509 h 20.00 beste HUB
43 Nel suo ultimo assolo Mette Ingvarsten esplora il movimento estatico nei raduni sociali all'indomani di una pandemia, facendo rivivere il fenomeno storico della mania della danza con un mix di movimenti inarrestabili, musica incessante e ritmi infernali fino al punto di sfinimento. Dal Medioevo ai tempi moderni, questo fenomeno si è verificato periodicamente e ha ricevuto numerose spiegazioni: dalla possessione da parte di spiriti maligni alle maledizioni dei santi, fino a malfunzionamenti neurologici. Ma dietro l'immagine pericolosa del disordine pubblico, c'era soprattutto un corpo che si liberava dallo stress di epidemie, disastri naturali e povertà, un corpo che danzava per protesta. E noi siamo pronti a gustare la vita fino in fondo? In The Dancing Public, Mette Ingvartsen explores ecstatic movement at social gatherings in the aftermath of a pandemic. Her solo blows up the solitary confinement of 2020 with a mix of unstoppable movements, incessant music, words and chants in infernal tempos and rhythms. The Dancing Public is a dance mania, a spoken word concert and an expression of physical madness to the point of exhaustion. Are we ready to taste life to the full again? Dance mania was a collective ecstatic outburst of relentless dancing, uncontrollable movement, bodily jerks and convulsions. From the Middle Ages to modern times, this phenomenon has been a regular occurrence and was given numerous explanations: from possession by evil spirits to neurological malfunctions. But behind all this, there was above all a body that freed itself and that danced in protest. SCENA CONTEMPORANEA THE DANCING PUBLIC METTE INGVARTSEN C C biglietto € 10,00 (rid. € 7,00) / ticket durata 70’ / time spettacolo in inglese - consigliato dai 16 anni in su / performance in English / recommended from 16 years old C C concept e performance Mette Ingvartsen / concept & performance disegno luci Minna Tiikkainen / lighting design scene Mette Ingvartsen & Minna Tiikkainen / set design arrangiamento musicale Mette Ingvartsen & Anne van de Star / musical arrangements costumi Jennifer Defays, drammaturgia Bojana Cvejić, direzione tecnica Hans Meijer / costumes / dramaturgy / technical direction tecnico del suono Anne van de Star, organizzatrice di compagnia Ruth Collier / sound technician / company management produzione e amministrazione Joey Ng / production & administration musica Affkt feat. Sutja Gutierrez, Scanner, Radio Boy, LCC, VII Circle, Kangding Ray, Paula Temple, Ron Morelli, Valanx, Anne / music van de Star una produzione di Great Investment vzw / a production of supportato da Fondation d'entreprise Hermès nell'ambito del New Settings Program, / supported by / within the framework of the Bikubenfonden co-produzione PACT Zollverein (Essen), Kaaitheater (Brussels), Festival d'Automne (Paris), Tanzquartier (Vienna), / co-production SPRING Performing Arts Festival (Utrecht), Kunstencentrum Vooruit (Ghent), Les Hivernalles (Avignon), Charleroi danse centre chorégraphique de Wallonie - Bruxelles, NEXT festival, Dansens Hus Oslo con il supporto di Kunstencentrum Buda (Kortrijk) / with the support of fondato da The Flemish Authorities, The Danish Arts Council & The Flemish Community Commission (VGC) / funded by MET^DANZA
44 CONNESSIONI CONTEMPORANEE C o "¡QUÉ SE LEVANTE EL TELÓN!" Presentazione libro STIL NOVO Ujjiri - Conoscere - To Know Incontro sul progetto L'INSOSTENIBILE LEGGEREZZA DELL'ESSERE Residenza per Curatrici e Curatori LA FALENA Presentazione rivista
45
46 Copertina del libro C1709 h 17.00 CENTRO PECCI
47 a cura di Saverio Mecca, Professore del Dipartimento di Architettura dell'Università di Firenze / edited by con la partecipazione di / with the participation of Alejandro Betancourt Peña, Terzo Segretario Affari Culturali dell'Ambasciata di Cuba a Roma / Third Secretary of Cultural Affairs of the Cuban Embassy in Rome Osvaldo Cano Castillo Rodolfo Sacchettini, curatori del volume e / and / editors of the volume Il libro raccoglie e traduce 12 testi teatrali contemporanei di autori cubani e italiani e due saggi critici di Osvaldo Cano e Rodolfo Sacchettini: una conferma della prossimità culturale fra Italia e Cuba e uno strumento per future cooperazioni e scambi culturali e artistici. Il progetto di cooperazione tra Cuba e l'Italia ¡Que no baje el telón! ha l'obiettivo di rafforzare la Facoltà di Arte Teatrale dell'ISA, progettata da Roberto Gottardi, sia restaurando la sede sia promuovendo questo libro, oltre a mettere in scena nella Facoltà di Arte Teatrale un testo italiano, ulteriore rispetto a quelli raccolti nell'antologia. The book collects and translates 12 contemporary theatrical texts by Cuban and Italian authors and two critical essays by Osvaldo Cano and Rodolfo Sacchettini: a confirmation of the cultural proximity between Italy and Cuba and a tool for future cultural and artistic cooperation and exchanges. The cooperation project between Cuba and Italy ¡Que no baje el telón! aims to strengthen the ISA Faculty of Theatrical Art, designed by Roberto Gottardi, both by restoring the seat and promoting this book, as well as staging an Italian text in the Faculty of Theatrical Art, in addition to those collected in the anthology. CONNESSIONI CONTEMPORANEE ¡QUÉ SE LEVANTE EL TELÓN! una antologia di testi del nuovo teatro cubano e italiano CENTRO PECCI EVENTI C C ingresso libero / free entrance C C
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